(предупреждаю – билет сделан с целью заставить улыбнуться моих дорогих сокурсников внутри накала подготовки к экзамену J , а еще с целью, чтобы самой стало понятно, «шо тут до чого».)
Общая характеристика.
Почти все симфоническое наследие Р.-К. было создано им до 90х годов, некоторые сочинение перерабатывались позже, однако это не носило характер кардинальных редакций. Наиболее существенно подверглась переделке 1-я симфония, в процессе чего велась работа Римским-Корсаковым над формой, фактурой и инструментовкой. (понятное дело, шло время, и по мере обогащения багажа знаний и умений Римский считал нужным тут же исправить ранние профессиональные «погрешности», за это ему - пиченька! J )
По образности и стилевым чертам симф. его творчество – параллельно оперному. (Ну это как бы понятно, у нормального композитора, наверное, всегда одни песни влияют на другие, как ни крути, и в результате какая-то общая настроенческая пища)
Жанры симфонических произведений Римского – более чем очевидны: программный (муз.картина «Садко», всем нам известные «Антар», «Шехерезада») и непрограммный (симфонии, сюиты, симфониетту даже (1884), концерты, увертюры, есть у него еще «Испанское каприччио») симфонизм. (правильно, в жизни надо все попробовать пописать: и то, и другое)
А теперь более подробно.
Непрограммное симф. т-во.
«Увертюра на русские темы» (1886) ре
мажор
«Фантазия на сербские темы» (1867).
По стилистике очень близки к Балакиревским сочинениям 60-х годов. (Не исключено, что именно Б. запряг Римского
их писать, особенно если вспомнить, что у него тоже есть произведения такого
плана (увертюры на русские – 2 штуки, и на чешские – 1 штука), ну и сами темы
для этих увертюр Римский взял, угадайте, откуда? – из фольклорного сборника
Балакирева, потому все мы знаем, что первый собиратель фольклора именно с
публикациями сборников в России – это Балакирев.)
Симфонии.
1я симфония (зак. в 1865 году) это пример, что в некоторой степени знаменует
рождение русской симфонии (как заметил Кюи), но, разумеется, уступает ранним
симфониям Чайника, и симфониям Бородина. А вообще сказывается влияние
Глинкинского симфонизма. (тут уж никуда
не деться, и это больше хорошо, чем плохо)
3я симфония (1873) Чайковскому вроде как нравилась, а вот кучкистам, видимо, не совсем по душе пришлась. А все почему – потому что, дескать, она видите ли казалась им «академичным» и «консерваторским» произведением. Странно это, потому что как раз любимой ими эпичности там предостаточно, особенно в крайних частях цикла, начиная со вступления к 1ч., и заканчивая кодой финала.
Симфониетта (1884) кстати сочинена тоже вроде как на народные темы. («Во поле туман» - ГП 1 части, «Зеленая груша в саду качается» - тема из 2ч., а финал содержит «У меня ли муж водопьяница», «А и густо на березе листье»). Короче симфониетта до мозга костей жанровая.
«Испанское каприччио» (1887) – палевно продолжает линию Глинкинских «Арагонской хоты» и «Ночи в Мадриде» ! Картины народного быта в пяти частях: Альборада – Вариации – Альборада – Сцена и цыганская песня – Фанданго). Но Римский не в Испанию ездил, как Глинка, а скатал темы из «Собрания нар песен и танцев» Хосе Инсенга. Вот. Принцип развития тематизма, конечно же, вариационный. Вобщем-то, кажется, везде так.
Фортепианный концерт (1882) одночастный. Строится на народной теме, опять таки
взятой из сборника Балакирева, «Собирайтесь-ка, братцы ребятушки».
Форма с чертами сонатности и трехчастности, свободных вариаций.
Пианистически здесь многое, как у Балакирева,
некие замашки на листовские штучки тоже имеют место, типа там крупная техника и
т.д.
особенности программного симфонизма Р.-К.
Образность сказочная
, красивые картинки «русскости»
или «русского востока» или просто-себе-«востока», по желанию, внедрение
фантастических там всяких начал, как, например, хотя бы в «Сказке» (1880) для
оркестра.
Имеет место картинность изложения
, откуда понятен прием сопоставления
образов, потому и сюитность
. Сюиты
и картины – а не сонатно-симфонические циклы! – тут, надеюсь, можно не объяснять
уже дальше.
Драматургия носит повествовательный
характер, понятно, что в
«Шехерезаде» - это вообще программа: Ш. рассказывает сказочки. Формообразующее
решение в связи с этим в «Ш.» остроумно: сонаты без р-ки (1 и 3 части),
рондо-вариации (4 часть) – куда же тут
конфликт впиндячивать? у нас тут все объективно, красиво и благополучно.
J
Ну лейт-темность
– сам Бог
велел, это же Римский! Как же образы-то показывать еще?
И лейт-темы
образуют здесь как-раз фактор цельности развития.
П.С. Чем могла тем помогла. J Сильно не бейте.
Согласно античным преданиям, Рим был образован в середине 8 века до н. э. Культура которая считалась одной из самых влиятельных в период античности, оказала огромное влияние на европейскую цивилизацию. И это несмотря на то, что живопись и скульптура Древнего Рима основаны на греческих мотивах, а театр и музыка неразрывно связаны с этрусскими древними традициями.
Характеристика древнеримского искусства
В отличие от других античных стран, римляне не присваивали искусству воспитательных или нравственных задач. Напротив, изобразительное искусство Древнего Рима несло больше утилитарный характер, так как считалось всего лишь способом рационально организовать жизненное пространство. Именно поэтому важное место в жизни населения этой античной страны занимала архитектура. Цивилизация Древнего Рима до сих пор напоминает о себе монументальными строениями: храмами, аренами и дворцами.
Кроме великолепных памятников архитектуры, о культуре Рима в эпоху античности можно судить и по многочисленным скульптурам, которые являлись портретами тех, кто жил в то время. Жизнь в Древнем Риме была всегда подчинена строгим правилам, и в некоторые периоды скульптурные портреты создавались исключительно для того, чтобы увековечить в памяти лица правителей или знаменитых людей. Лишь спустя какое-то время римские скульпторы стали наделять свои статуи характерами или особенными чертами. Важные исторические события римские творцы предпочитали изображать в виде барельефов.
Стоит заметить, что особенности заключаются практически в полном отсутствии таких явлений, как театр - в привычном для нас понимании, а также собственная мифология. Используя созданные греками образы для многих великолепных римляне или искажали события в угоду своим властям, или вовсе не придавали им большого значения. Происходило это прежде всего потому, что изобразительное искусство Древнего Рима развивалось под влиянием господствующей идеологии, которой были чужды отвлечённо-философские начала и художественный вымысел.
Отличительные черты искусства Древнего Рима
Несмотря на доказанное существование Рима как отдельной цивилизации, историки долгое время не могли отделить древнегреческое искусство от римского. Однако благодаря тому, что многие произведения художественного и архитектурного наследия Древнего Рима были сохранены до наших дней, удалось определить основные черты, присущие исключительно древнеримским произведениям. Итак, какие достижения и изобретения Древнего Рима в области изобразительного искусства характеризуют его как самостоятельное явление?
- Архитектурным достижением римлян стало сочетание в постройках пространственного восприятия и художественных форм. Римские зодчие предпочитали возводить отдельные здания и ансамбли в естественных низинах, а если таковых не было, обносили сооружения небольшими стенами.
- В противовес греческим пластичным образам римское искусство ставило аллегорию, символику и иллюзорность пространства. Эти изобретения Древнего Рима в отношении скульптурного и художественного изображения позволяли наделять характером не только скульптурные портреты, но и мозаичные или фресочные изображения.
- Древнеримские художники развили зародившуюся в Греции станковую живопись, которая на своей исторической родине практически не была распространена.
Несмотря на обилие тонких и едва заметных глазу обывателя особенностей, существует фактор, который позволяет даже неспециалисту определить принадлежность скульптурного или архитектурного объекта к древнеримской культуре. Это его размер. Цивилизация Древнего Рима известна всему миру своими грандиозными зданиями и скульптурами. Их величина в несколько раз превышает аналоги из Древней Греции и других стран.
Периодизация
Изобразительное искусство Древнего Рима развивалось в несколько этапов, которые соответствовали периодам исторического становления самого государства. Если эволюцию древнегреческого искусства историки подразделяют на становление (архаику), расцвет (классику) и кризисный период (эллинизм), то развитие древнеримского искусства приобретает новые черты во время смены императорской династии. Обусловлено такое явление тем, что социально-экономические и идеологические факторы играли основополагающую роль в изменении стилистически-художественных форм.
Этапами эволюции искусства в Риме принято считать период римского царства (7-5 века до н. э.), республиканский (5-1 века до н. э.) и период Римской империи (1-2 века н. э.). Настоящий расцвет всех видов искусств, в том числе скульптуры, театра, музыки и художественного и прикладного творчества, наступил в конце 1 века до н. э. и продолжался вплоть до
Искусство царского периода
Становление древнеримского искусства берёт своё начало в 8 веке до н. э., когда основными мотивами в зодчестве становятся этрусские способы планировки строений, каменной кладки и использования строительных материалов. Об этом можно судить по храму Юпитера Капитолийского. Живопись и изготовление декоративных предметов также тесно связаны с этрусскими корнями. Лишь к середине 7 века до н. э., когда римляне колонизировали Грецию, они познакомились с художественными приёмами греков. Стоит заметить, что древнеримские художники уже тогда стремились создавать свои произведения максимально приближенными к оригиналам. Историки связывают это с традицией изготавливать посмертные восковые маски, которые в точности повторяли черты лица человека. Боги Древнего Рима, статуи которых были выполнены в период римского царства, изображались так же, как обычные люди.
Искусство республиканского периода
Республиканский период Римского государства ознаменовался окончательным формированием архитектуры: все без исключения комплексы (жилые и храмовые) приобретали осевое строение и симметричность. Фасад здания оформлялся более пышно, а к входу вел подъём (обычно каменная лестница). В городах распространяется жилая застройка из многоэтажных домов, в то время как обеспеченные слои населения строят загородные террасные дома, украшенные фресками и скульптурными композициями. В этот период окончательно сформировались такие типы построек, как театр Древнего Рима (амфитеатр), акведуки, мосты.
Изобразительное искусство основывалось на портретной скульптуре: официальной и частной. Первая служила цели увековечить государственных деятелей, а вторая существовала благодаря заказам на изготовление статуй и бюстов для домов и гробниц. Общественные здания украшались барельефами с изображением исторических сцен или картин повседневной жизни государства. В храмах же чаще всего можно было увидеть картины (в том числе мозаики и фрески), на которых были изображены боги Древнего Рима.
Римская империя: конечный период развития искусства
Период считается временем подлинного расцвета древнеримского искусства. В архитектуре доминируют арка, свод и купола. Каменные стены повсеместно облицовываются кирпичом или мрамором. Большие пространства в помещениях заняты декоративной росписью и скульптурами. Изобразительное искусство Древнего Рима в этот период претерпевает существенные изменения. При изготовлении скульптурных портретов меньше внимания уделяется индивидуальным чертам, которые порой выглядят несколько схематично. В то же время скульпторы старались изобразить стремительность движений, эмоциональное состояние портретируемого (положение тела, рук и ног, причёску и т. д.). Барельефные изображения принимают формы панорам с постепенно развивающимся сюжетом.
В отличие от предыдущего периода, становится более сложной из-за внедрения пейзажных и архитектурных фонов. Краски, используемые для фресок, более яркие, а сочетания цветов - более контрастные. Помимо цветной мозаики, широко распространяется чёрно-белая.
Самые известные скульптурные портреты
Римские портреты государственных деятелей, богов и героев представлены бюстами или полноразмерными статуями. Самым ранним древнеримским портретом принято считать бронзовый бюст Юния Брута. В нем чувствуется большое влияние греческого искусства, однако типичные для римлян черты лица и небольшая асимметрия позволяют ещё раз убедиться в том, что древнеримские скульпторы уже тогда, в 3 веке до н. э., придавали своим произведениям максимум реалистичности. Несмотря на отсутствие современных технологий обработки металлов мелкие детали бюста прекрасно выполнены. Прежде всего это заметно по тонкой гравировке бороды и волос.
Наиболее реалистичным всё же принято считать скульптурный портрет Веспасиана, римского императора. Мастер не только в мельчайших деталях передал его образ, но и наделил бюст характерными чертами. Особое внимание привлекают глаза: глубоко посаженные и небольшие они излучают природную хитрость и остроумие императора. Но самым замечательным является тот факт, что скульптор изобразил и мельчайшие детали (напряжённые жилы и вены на шее, пересекающие лоб морщины), говорящие о силе и непреклонности государственного лидера. Не менее выразительным получился у скульпторов и бюст ростовщика Луция Цецилия Юкунда, жадные глаза и засаленные волосы которого изображены с поразительной точностью.
Великие памятники архитектуры древнеримской эпохи
На сегодняшний день полностью не сохранилось ни одно из зданий, построенных в эпоху Древнего Рима. Самым известным и знаменитым из них считается Колизей - арена, на которой проходили бои гладиаторов и выступления государственных деятелей разного уровня, в том числе и императоров. Не менее яркой историей обладает и храм Сатурна, который неоднократно разрушался и отстраивался вновь. Его в отличие от Колизея увидеть нельзя, так как от великолепного строения осталось лишь несколько колонн. Зато удалось сохранить знаменитый Пантеон, или храм всех богов, который представляет собой достаточно большое здание, увенчанное куполом.
Поэты Древнего Рима и их произведения
Несмотря на позаимствованную у греков мифологию, древние римляне также имели и свои таланты в сфере сложения стихов, песен и басен. Самые известные поэты Рима - Вергилий и Гораций. Первый прославился тем, что написал поэму «Энеида», которая очень напоминала «Илиаду» Гомера. Несмотря на менее выразительную поэтическую и художественную составляющую, эта поэма до сих пор считается эталоном исконного латинского языка. Гораций же, напротив, великолепно владел художественным словом, благодаря чему стал придворным поэтом, а строки из его стихов и песен до сих пор появляются в произведениях многих писателей.
Театральное искусство
Театр Древнего Рима изначально мало напоминал то, что сегодня мы считаем таковым. Практически все представления проходили в жанре состязаний поэтов и музыкантов. Лишь иногда древнеримские ценители искусства могли насладиться игрой актёров в сопровождении большого хора. Нередко зрителям демонстрировались цирковые номера, театральная пантомима и сольные или групповые танцы. Отличительной особенностью древнеримского театрального представления являлась многочисленность труппы. По поводу этого зрители говорили, что их меньше, чем актёров.
Стоит заметить, что костюмам и гриму тогда не уделяли особого внимания. Лишь иногда, играя роль императора или значимого в государстве человека, актёры одевались в более пышные одежды красного цвета. Репертуар состоял в основном из произведений римских поэтов: Горация, Вергилия и Овидия. Нередко неспешные повествования и песнопения в театрах сменяли кровавые бои гладиаторов, на которые зрители шли с не меньшим удовольствием.
Музыка и музыкальные инструменты
Музыка Древнего Рима формировалась независимо от древнегреческой. При проведении массовых мероприятий и представлений наибольшей популярностью пользовались музыкальные инструменты, способные производить очень громкий звук: трубы, рога и тому подобное. Однако чаще всего во время исполнения предпочитали литавры, арфы, кифары. Стоит заметить, что музыкой увлекались все, включая римских императоров. Были среди музыкантов и певцов те, кого увековечивали в скульптуре. Особой популярностью и любовью римского народа в ту эпоху пользовались певцы и кифареды Апеллес, Терпний, Диодор, Анаксенор, Тигеллий и Месомед. Музыка Древнего Рима жива до сих пор, так как сохранены не только основные мотивы, но и музыкальные инструменты.
Влияние древнеримского искусства на современность
О влиянии римской цивилизации на современность говорится много и везде. Конечно, характеристика Древнего Рима, а точнее сказать той его области, которая относится к искусству, до сих пор не представлена в полном объёме. Тем не менее уже сейчас можно утверждать то, что архитектура, скульптура и изобразительное искусство древнеримской эпохи напрямую повлияли на культурную составляющую практически всех европейских государств. Особенно это заметно в архитектуре, когда гармония и величественность зданий заключена в чёткую симметричную форму.
Искусство древнего Рима, как и древней Греции, развивалось в рамках рабовладельческого общества, поэтому именно эти два основных компонента имеют ввиду, когда говорят об "античном искусстве". Искусство Рима считают завершением художественного творчества античного общества. Правомерно утверждать, что, хотя древнеримские мастера продолжали традиции эллинских, все же искусство древнего Рима -- явление самостоятельное, определявшееся ходом и ходом исторических событий, и условиями жизни, и своеобразием религиозных воззрений, свойствами характера римлян, и другими факторами.
Римское искусство как особое художественное явление стали изучать лишь в ХХ веке, по существу только тогда осознав всю его самобытность и неповторимость. И все же до сих пор многие видные антиковеды полагают, что история римского искусства еще не написана, еще не раскрыта вся сложность его проблематики.
В произведениях древних римлян, в отличие от греков, преобладали символика и аллегория. Соответственно пластические образы эллионов уступили у римлян место живописным, в которых преобладала иллюзорность пространства и формы -- не только во фресках и мозаиках, но и в рельефах. Изваяния, подобные Менаде Скопаса или Нике Самофракийской, уже не создавались, зато римлянам принадлежали непревзойденные скульптурные портреты с с исключительно точной передачей индивидуальных особенностей лица и характера, а также рельефы, достоверно фиксировавшие исторические события. Римский мастеров отличие от греческого, видевшего реальность в ее пластическом единстве, больше склонялся к анализированию, расчленению целого на части, детальному изображению явления. Грек видел мир как бы сквозь все объединявшую и связывавшую воедино поэтическую дымку мифа. Для римлянина она начинала рассеиваться, и явления воспринимались в более отчетливых формах, познавать которые стало легче, хотя это же приводило к утрате ощущения цельности мироздания.
В древнем Риме скульптура ограничивалась преимущественно историческим рельефом и портретом, зато получили развитие изобразительные искусства с иллюзорной трактовкой объемов и форм -- фреска, мозаика, станковая живопись, слабо распространенные у греков. Архитектура достигла небывалых успехов как в ее строительно-инженерном, так и в ансамблевом выражении. Новым было у римлян и их понимание взаимосвязи художественной формы и пространства. Предельно компактные, концентрические в своей сущности формы классического Парфенона не исключали, а напротив, выражали открытость здания просторам, окружавшим Акрополь. В римской архитектуре, поражающей обычно своими ансамблевыми размахами, предпочтение отдавалось замкнутым формам. Зодчие любили псевдоперипетры с колоннадой, наполовину утопленной в стену. Если древнегреческие площади всегда были открыты пространству, подобно Агоре в Афинах или других эллинистических городах, то римские либо обносились, как форумы Августа или Нервы, высокими стенами, либо устраивались в низинах.
Тот же принцип проявлялся и в скульптуре. Пластичные формы греческих атлетов всегда представлены открыто. Образы, подобные молящемуся римлянину, набросившему на голову край одеяния, большей частью заключены в себе, сосредоточены. Римские мастера в скульптурных портретах концентрировали внимание на личных, индивидуальных особенностях человека.
Система римских архитектурно-пластических образов глубоко противоречива. Компактность форм в них только кажущаяся, искусственная, вызванная, видимо, подражанием классическим образцам эллинов. Отношение римлян к форме, объему, пространству совершенно иное, нежели у греков, основанное на принципе прорыва границ и рамок, на эксцентрической, а не концентрической динамике художественного мышления. В этом смысле римское искусство -- качественно новый этап эстетического освоения человеком реальности. Тяготение римских художников к классическим эллинским формам, вызывающее ощущение двойственности римских памятников, воспринимается сейчас как проявление своего рода реакции на заявлявшие о себе новшества. Осознавшаяся римлянами утрата цельности художественных форм нередко заставляла их создавать постройки громадные по размерам, порой грандиозные, чтобы хоть этим восполнить противоречивость или ограниченность образов. Возможно, именно в связи с этим римские храмы, форумы, а нередко и скульптурные произведения значительно превосходили размерами древнегреческие.
Важный фактор, воздействовавший на характер древнеримского искусства, -- огромное пространство его поля действия. Динамичность и постоянное расширение территориальных рамок древнеримского искусства со включением в его сферу уже в V веке до н.э. этрусских, италийских, галльских, египетских и других форм, с особенным значением греческих, -- не может быть объяснено только свойствами римского художественного потенциала. Это процесс, связанный с развитием общеевропейского искусства, в котором римское начало играть роль особенную -- интерпретатора и хранителя художественного наследия античной эпохи при одновременном выявлении собственно своих римских принципов. В римском горниле сплавлялись различные художественные ценности, чтобы в итоге появилась совершенно новая, не исключавшая, однако, традиций античности, средневековая эстетическая практика. От пиренейских берегов Атлантического океана до восточных границ Сирии, от Британских островов до Африканского континента племена и народы жили в сфере влияния художественных систем, которые диктовались столицей империи. Тесное соприкосновение римского искусства с местным приводило к появлению своеобразных памятников. Скульптурные портреты Северной Африки поражают по сравнению со столичными экспрессивностью форм, некоторые британские -- особенной холодностью, почти чопорностью, пальмирские -- свойственной восточному искусству затейливой орнаментикой декоративных украшений одежд, головных уборов, драгоценностей. И все же нельзя не отметить, что к середине I тысячелетия н.э., в конце античности, в Средиземноморье дали о себе знать тенденции к сближению различных эстетических принципов, в значительной степени определившие культурное развитие раннего средневековья.
Конец римского искусства формально и условно может быть определен падением Империи. Вопрос же о времени возникновения римского искусства -- весьма спорный. Распространение на территории Апеннинского полуострова в I тысячелетии до н.э. высокохудожественных произведений этрусков и греков способствовало тому, что только начинавшее формироваться римское искусство оказывалось незаметным. Ведь долгое время, c VIII до VI в.в. до н.э., Рим был небольшим поселением среди множества других италийских, этрусских и греческих городов и поселений. Однако даже из этого отдаленного прошлого, куда уходят истоки римского искусства, сохраняются фибулы с латинскими именами, цисты и такие монументальные бронзовые изваяния, как Капитолийская волчица. Вряд ли поэтому правомерно начинать историю искусства древнего Рима, как это иногда делают, с I в. до н.э., не учитывая хотя и небольшой количественно, но очень важный материал, который со временем, нужно думать, будет возрастать.
Периодизация римского искусства -- одна из самых сложных проблем его истории. В отличие от принятой и широко распространенной периодизации древнегреческого искусства, обозначающей годы становления архаикой, время расцвета -- классикой и кризисные века -- эллинизмом, историки древнеримского искусства, как правило, связывали его развитие лишь со сменами императорских династий.
Однако далеко не всегда смена династий или императора влекла за собой изменение художественного стиля. Поэтому важно определить в развитии римского искусства границы его становления, расцвета и кризиса, принимая во внимание изменение художественно-стилистических форм в их связи с социально-экономическими, историческими, религиозно-культовыми, бытовыми факторами.
Если наметить основные этапы истории древнеримского искусства, то в общих чертах их можно представить так. Древнейшая (VII - V вв. до н.э.) и республиканская эпохи (V в. до н.э.-I в. до н.э.) -- период становления римского искусства. В этих широких временных границах медленно, часто в противоборстве с этрусскими, италийскими, греческими влияниями формировались принципы собственно римского творчества. Из-за недостатка вещественных материалов, весьма слабого освещения этого длительного периода в древних источниках дифференцировать более детально этот этап невозможно. В VIII - V вв. до н.э. римское искусство еще не могло соперничать не только с развитым художественным творчеством этруссков и греков, но, очевидно, и с достаточно отчетливо заявлявшей о себе художественной деятельностью италиков.
Расцвет римского искусства приходится на I -II вв. н.э. В рамках этого этапа стилистические особенности памятников позволяют различить: ранний период -- время Августа, первый период -- годы правления Юлиев - Клавдиев и Флавиев, второй -- время Траяна, поздний период -- время позднего Адриана и последних Антонионов. Времена Септимия Севера, как ранее Помпея и Цезаря, при этом, очевидно, следует считать переходными. С конца правления Септимия Севера начинается кризис римского искусства.
Все художественное творчество Европы от средневековья до наших дней несет на себе следы сильного воздействия римского искусства. Внимание к нему всегда было очень пристальным. В идеях и памятниках Рима многое поколения находили нечто созвучное своим чувствам и задачам, хотя специфика римского искусства, его своеобразие оставались нераскрытыми, а казались лишь позднегреческим выражением античности. Историки от Ренессанса до ХХ века отмечали в нем различные, но всегда близкие их современности черты. В обращении итальянских гуманистов XV - XVI вв. к древнему Риму можно видеть социально-политические (Кола ди Риенцо), просветительско-моралистские (Петрарка), историко-художественные (Кирияк Анконский) тенденции. Однако сильнее всего воздействовало древнеримское искусство на архитекторов, живописцев и ваятелей Италии, по-своему воспринимавших и трактовавших богатейшее художественное наследие Рима. В XVII в. древнеримским искусством заинтересовались ученые других европейских стран. Это было время интенсивного сбора художественного материала, период "антикварный", сменивший гуманистический, ренессансный.
Революция XVIII в. во Франции пробудила внимание французских ученых и художников к римскому искусству. Тогда же возникло научно-эстетическое отношение к древнему наследию. И.Винкельман, в отличие от деятелей "антикварного" периода, выступил представителем просветительской философии своего времени, создателем истории древнего искусства. Правда, он еще относился к римскому искусству как к продолжению греческого. В конце XVIII - начале XIX в. древнеримским искусством начали заниматься уже не частные лица, а государственные учреждения Европы. Финансировались археологические раскопки, основывались крупные музеи и научные общества, создавались первые научные труды о древнеримских произведениях искусства.
Попытки философского осмысления сущности и специфики древнеримского искусства были сделаны в конце XIX в. Ф.Викгофом и А.Риглем.
Ценным теоретическим исследованием явилась также книга О.Бренделя "Введение в изучение искусства древнего Рима", где рассмотрены различные точки зрения на древнеримское искусство от Ренессанса др наших дней.
Обращение к русскому музыкальному фольклору, так же как и подробное изучение оперных партитур Глинки в процессе подготовки их к изданию, помогло композитору преодолеть умозрительность некоторых его сочинений, возникшую в результате усиленных занятий техникой композиции. В двух написанных после «Псковитянки» (1872) операх - «Майская ночь» (1879) и «Снегурочка» (1881) - получили воплощение любовь Римского-Корсакова к народным обрядам и народной песне и его пантеистическое мировоззрение.
Творчество композитора 80-х гг. в основном представлено симфоническими произведениями: «Сказка» (1880), Симфониетта (1885) и Фортепианный концерт (1883), а также знаменитые «Испанское каприччио» (1887) и «Шехеразада» (1888). В то же время Римский-Корcаков работает в Придворной певческой капелле. Но больше всего времени и сил он отдает работе по подготовке к исполнению и изданию опер своих покойных друзей - «Хованщины» Мусоргского и «Князя Игоря» Бородина. Вероятно, эта напряженная работа над оперными партитурами обусловила то, что собственное творчество Римского-Корсакова развертывается в эти годы в сфере симфонической.
К опере композитор возвращается лишь в 1889 г., создав феерическую «Младу» (1889-90). С середины 90-х гг. одна за другой следуют «Ночь перед рождеством» (1895), «Садко» (1896), пролог к «Псковитянке» - одноактная «Боярыня Вера Шелога» и «Царская невеста» (обе - 1898). В 1900-е гг. создаются «Сказка о царе Салтане» (1900), «Сервилия» (1901), «Пан воевода» (1903), «Сказание о невидимом граде Китеже» (1904) и «Золотой петушок» (1907).
На протяжении всей творческой жизни композитор обращался и к вокальной лирике. В 79 его романсах представлена поэзия А. Пушкина, М. Лермонтова, А. К. Толстого, Л. Мея, А. Фета, а из зарубежных авторов Дж. Байрона и Г. Гейне.
Содержание творчества Римского-Корсакова многообразно: оно раскрыло и народно-историческую тему («Псковитянка», «Сказание о невидимом граде Китеже»), сферу лирики («Царская невеста», «Сервилия») и бытовой драмы («Пан воевода»), отразило образы Востока («Антар», «Шехеразада»), воплотило особенности других музыкальных культур («Сербская фантазия», «Испанское каприччио» и др.). Но более характерны для Римского-Корсакова фантастика, сказочность, многообразные связи с народным творчеством.
Композитор создал целую галерею неповторимых в своем обаянии, чистых, нежно-лирических женских образов - как реальных, так и фантастических (Панночка в «Майской ночи», Снегурочка, Марфа в «Царской невесте», Феврония в «Сказании о невидимом граде Китеже»), образы народных певцов (Лель в «Снегурочке», Нежата в «Садко»).
Сформировавшийся в 1860-е гг. композитор всю жизнь оставался верен передовым общественным идеалам. В преддверии первой русской революции 1905 г. и в последовавший за ней период реакции Римский-Корсаков пишет оперы «Кащей бессмертный» (1902) и «Золотой петушок», которые воспринимались как обличение царившего в России политического застоя.
Более 40 лет длился творческий путь композитора. Вступив на него как продолжатель традиций Глинки, он и в XX в. достойно представляет русское искусство в мировой музыкальной культуре. Творческая и музыкально-общественная деятельность Римского-Корсакова многогранна: композитор и дирижер, автор теоретических трудов и рецензий, редактор сочинений Даргомыжского, Мусоргского и Бородина, он оказал сильнейшее воздействие на развитие русской музыки.
За 37 лет педагогической работы в консерватории у него училось более 200 композиторов: А. Глазунов, А. Лядов, А. Аренский, М. Ипполитов-Иванов, И. Стравинский, Н. Черепнин, А. Гречанинов, Н. Мясковский, С. Прокофьев и др. Разработка Римским-Корсаковым ориентальной тематики («Антар», «Шехеразада», «Золотой петушок») имела неоценимое значение для развития национальных музыкальных культур Закавказья и Средней Азии, а многообразные морские пейзажи («Садко», «Шехеразада», «Сказка о царе Салтане», цикл романсов «У моря» и др.) многое определили в пленерной звукописи француза К. Дебюсси и итальянца О. Респиги.
Тема: Н.А. Римский-Корсаков. Симфоническое творчество.
Сюита «Шехеразада».
Это обширная и важная область в его наследии, преимущественно до 90-х гг. По содержанию и музыкальному стилю симфоническое творчество имеет много параллелей с оперным («Садко»). Именно здесь найдены драматургические приёмы и выразительные средства, которые будут воплощены позднее.
Симфоническое творчество отличается жанровым разнообразием. Это определяется разносторонностью интересов и богатством видов и форм русской симфонической музыки 2-ой половины 19 в. Это программные и непрограммные циклы; Симфониэтта, симфонические картины, увертюры, фантазия, инструментальный концерт, музыка к драме («Псковитянка»). Римский-Корсаков развивал традиции народно-жанрового симфонизма Глинки и Балакирева. Симфонический стиль композитора сформировался также под влиянием мастеров западноевропейской симфонической школы – Берлиоза и Листа. С Берлиозом его роднит стремление к сюжетности, театральности; с Листом – принцип монотематизма.
В принципах оркестрового письма Римский-Корсаков является прямым преемником Глинки: - идеальная уравновешенность элементов фактуры;
Прозрачность и лёгкость оркестровой ткани;
Яркость, сочность, полнота звучания.
Состав оркестра двойной и тройной. Ударные инструменты используются в зависимости от художественной необходимости. Трактовка колористических возможностей инструментов, утверждённая Римским-Корсаковым, получила название виртуозно-колористической, в отличие от выразительной у Чайковского.
Симфоническая сюита «Шехеразада» (1888 год) – венец достижений симфонического творчества Римского-Корсакова. Здесь своеобразно отразились черты европейского программного симфонизма; слились принципы монотематизма, лейтмотивности, приёмов вариационного развития. Каждая часть сюиты написана в крупной форме, которая синтезирует черты сонатности и поэмности, вариационности и рондальности, арочные связи и лейтмотивы. Все 4 части объединены темами и трансформацией образов.
1 часть - «Море» - написана в сонатной форме без разработки. Во вступлении звучат 2 лейтмотива: тема Шахрияра (грозная, воинственная) и Шехеразады (изящная, орнаментальная, у скрипки соло). Главная партия – тема моря, интонационно построенная на теме царя Шахрияра; побочная партия – тема Синдбадова корабля.
2 часть – «Рассказ царевича Календра» - открывается темой Шехеразады. 2 часть написана в сложной 3-хчастной форме, крайние её разделы – вариации на тему Календра, середина – фантастический восточный скерцо-марш. Неторопливая и спокойная тема Календра у соло фагота.
3 часть - «Царевич и царевна» - написана в сонатной форме без разработки. Тема царевича – мягкая, спокойная, лирическая, у деревянных духовых; тема царевны – кокетливая, игривая, у струнных.
4 часть – «Багдадский праздник» - монументальный народно-жанровый финал в форме рондо, объединяющий тематический материал предшествующих частей. Через всю часть проходит тема лезгинки - рефрен. Здесь звучат темы Шахрияра, Шехеразады, моря, царевны, царевича, Календра. Сюита заканчивается темой Шехеразады.
3 курс инструменталисты
Н.А. Римский -Корсаков Оперное творчество .
Оперы Римского-Корсакова весьма различны по содержанию и художественному облику, по своим формам и музыкальной драматургии. У него есть исторические, сказочные, лирико-драматические, лирико-комедийные, сатирические, лирико-психологические оперы. Монументальные оперные полотна и одноактные камерные оперы. Большая часть написана на русские сюжеты. Связь своих опер с жанрами народного искусства композитор подчёркивал в характерных подзаголовках:
- «весенняя сказка» («Снегурочка»)
- «осенняя сказочка» («Кащей Бессмертный»)
- «опера-колядка» («Ночь перед Рождеством»)
- «опера-былина» («Садко»)
Главный принцип оперной поэтики Римского-Корсакова – это деление происходящего на двоемирие:
Быта и фантастики;
Человеческого и природного;
Добра и зла, света и мрака;
Язычества и христианства.
Общая тенденция к философской направленности образов. Особое место отводится обрядовым, ритуальным сценам. Часто используется двухэтапный финал: развязка для одного или нескольких героев и обобщающая кода.
В оркестре Римский-Корсаков проявляет себя прежде всего как симфонист. Многие оперы имеют лейтмотивные системы. Оркестр особо красочен в фантастических эпизодах, картинах природы, в основном, это происходит из-за использования необычных ладов и гармоний: увеличенные, уменьшённые лады, целотонная гамма, гамма «тон-полутон». В других случаях музыка носит национальный характер.
При характеристике героев используются как арии-портреты, так и ансамбли сквозного развития. В вокале – ариозный стиль, речитативы композитор применяет нечасто. Особое внимание уделяется противопоставлению женских образов: Снегурочка – Купава, Марфа – Любаша, Волхова – Любава. У первых – колоратурные, сложные партии и у вторых – распевные мелодии, народного характера.
3 курс инструменталисты
Тема: Н.А. Римский-Корсаков. Опера «Снегурочка».
Композитор “Могучей кучки” Н. А. Римский-Корсаков
Римский-Корсаков – фигура достаточно эпохальная в истории развития русской классической музыки, чтобы лишь ему одному уделить целый цикл статей. Но пока попробуем все-таки обойтись краткой биографией в рамках цикла о . Сначала это был просто талантливый молодой композитор, воспитанник Балакирева и его сподвижник, как и прочие композиторы, входившие в кружок.
В то время как грезил о величии и славе знаменитого композитора, а был скорее военным преподавателем, чем композитором, Римский-Корсаков оказался наиболее плодовитым в качестве композитора и впоследствии – педагога. Он ведь был участником не одного только Балакиревского кружка и Могучей кучки. Также он был почетным членом и Беляевского кружка, особенно тогда, когда Балакиревского кружка уже, по сути, не стало.
Но обо всем по порядку.
Николай Андреевич Римский-Корсаков родился 6 марта 1844-го года, в семье древнего дворянского рода. Его отец, Андрей Петрович, некоторое время исполнял должность вице-губернатора Новгорода (в Новгородской области Николай Андреевич и родился), а затем стал занимать пост губернатора Волыни.
Мама будущего композитора была образованной и умной женщиной, несмотря на довольно сомнительное происхождение. Она была дочерью богатого помещика Скарятина и крепостной девушки. Мать оказала немалое влияние на своего сына. Его первые занятия музыкой проводились дома, а уже затем – в пансионе, где они были в числе общеобразовательных предметов.
Старший брат Николая Андреевича – Воин Андреевич Римский-Корсаков – также оказал немалое влияние на развитие предпочтений будущего композитора. Сам Воин Андреевич стал известным реорганизатором системы военно-морского образования. Так что Николай, с одной стороны, увлеченно учился музыке, а с другой – в конце концов поступил в Морской кадетский корпус. Его туда привез отец в 1856-м году. И последующие годы, вплоть до весны 1862-го, Николай усердно учился военно-морскому делу.
Его старания оказались не напрасными, и он в конце концов завершил обучение с отличием. Вот только его отец, Андрей Петрович, уже не дожил до того дня. Он умер за год до этого, в 1861-м году. Вся семья после этого сразу же перебралась жить в Санкт-Петербург.
На флоте
1861-й год стал для будущего композитора не только годом смерти отца, но и годом знакомства с . Тот, насколько вы можете помнить, был вообще довольно характерной личностью. Николай ему сразу же пришелся по нраву, и он решил его взять в свой кружок. Что уж поделать, была у Милия Алексеевича страсть к воспитанию молодых композиторов. сам это в малой степени поощрял, так что Римский-Корсаков на законных основаниях стал членом Могучей кучки и написал свою первую симфонию. Под руководством все того же Балакирева сделал все аранжировки, кое-как сделал оркестровку и отправился служить во флот, куда его и определили. К тому времени в состав балакиревского кружка входили не только Римский-Корсаков, но и Модест Петрович Мусоргский, а также Цезарь Кюи.
Репин И.Е. Портрет Н.А. Римского-Корсакова. 1893 год
Сказать толком, кто на самом деле был истинным создателем произведений тех лет, быдет довольно сложно. Нет, создателями, конечно, были Мусоргский, Кюи и Римский-Корсаков. Но. Одно только большое-пребольшое НО: за ними всеми стоял Балакирев.
Это он был их идейным вдохновителем, «мучителем» и корректором. Если ему что-то не нравилось, то он мог попросту заставить переработать все произведение, и в итоге от первоначального варианта уже мало что оставалось, пока Учитель не оказывался доволен, а потому молодые композиторы поскрипывали зубами, но продолжали служить эдакой кистью в умелых руках Балакирева.
Но вернемся к герою нашего повествования. Итак, он отправился служить во флот. Сперва он служил на клипере «Алмаз». Благодаря этой службе он побывал во многих интересных странах того времен, среди которых Англия, Норвегия, Польша, Франция, Италия, Соединенные Штаты, Бразилия и Испания. Стоит ли говорить, что Николай вобрал в себя множество впечатлений, которые ну просто грех было не воплотить в партитуре. Он это и сделал, яркими и насыщенными красками передавая эти настроения в оркестровках к своим произведениям.
Стоит, правда, отметить, что служба на клипере практически не оставляла ему возможности совершенствовать композиторское мастерство. Да и вообще, писать было особо некогда, служба моряка сложна и насыщенна. Поэтому за все эти годы из-под его пера появилась лишь вторая часть его Первой симфонии. Он ее написал в конце 1862-го года, после чего надолго забросил сочинительство.
В окружении композиторов Могучей кучки
Римский-Корсаков Н.А., портрет
Так продолжалось до того времени, пока он не вернулся из своего путешествия. Тогда он снова попадает в окружение композиторов Могучей кучки, где знакомится с новым участником кружка – – молодым талантливым химиком, который также подает надежды, что станет прекрасным композитором.
Вскоре Балакирев познакомил Николая Андреевича с такими яркими людьми, как Петр Чайковский, Александр Драгомыжский и Людмила Шестакова.
В конце концов Милий Алексеевич попросту заставил начинающего композитора полностью переписать Первую симфонию. Чтобы с ним работать, надо было вообще обладать завидной скромностью и терпением, но все-таки пришлось полностью переписать скерцо, переделать всю оркестровку, и лишь затем учитель одобрил его работу. Более того, в 1865- году Первую симфонию Римского-Корсакова впервые исполняют. Исполнителем первой редакции Первой симфонии стал сам Балакирев. А потом так уж сложилось, что он стал главным исполнителем всех ранних произведений Римского-Корсакова.
Продолжение рассказа о жизненном пути и творчестве